Fim da pintura: preto e branco. Parte 1
De repente, o artista cobriu a composição colorida com um quadrilátero preto, depois começou a escrever todas as formas uma após a outra até que um único quadrado preto permanecesse na tela. A força de influência da proporção precisamente encontrada de tamanho e cor era tão grande que ele ficou extremamente agitado e por uma semana inteira não conseguiu comer ou dormir …
O pássaro sai do ovo. O ovo é o mundo. Quem quiser nascer
deve destruir o mundo. O pássaro voa para Deus.
Hermann Hesse, "Demian"
Fim da pintura
Suprematism é um concerto onde a arte mundial veio junto para morrer.
N. Punin
No verão de 1915, Kazimir Severinovich Malevich trabalhou no cenário para a ópera Vitória sobre o Sol.
Esta ópera suprematista de Alexei Kruchenykh, Mikhail Matyushin e Kazimir Malevich falava sobre o grupo "Budelyan", que pretendia conquistar uma estrela distante. O libreto utilizou uma linguagem inexistente inventada pelos autores. A música foi construída em dissonância e cromatismo. Malevich trabalhou em fantasias e cenários.
O que pode ser retratado no cenário de uma ópera em uma linguagem inexistente? O sol é branco e redondo, e pode ser derrotado exatamente pelo oposto - algo preto e quadrado.
De repente, o artista cobriu a composição colorida com um quadrilátero preto, depois começou a anotar todas as formas uma após a outra até que um único quadrado preto permanecesse na tela. A força da proporção exata de tamanho e cor encontrada era tão grande que ele ficou extremamente agitado e não conseguiu comer ou dormir por uma semana inteira. Este quadrado preto sobre tela branca era uma forma de cor incrível. Malevich percebeu que havia criado algo novo, algo após o qual a pintura nunca mais seria a mesma.
Alguns meses depois, uma exposição intitulada "A Última Exposição Futurística de Pinturas" 0.10 "foi inaugurada em São Petersburgo. "0" significava objetividade zero, o fim do futurismo e o início do Suprematismo, "10" - o número estimado de participantes. Malevich estava entre eles. No canto vermelho, acima de todas as telas, onde o ícone se localizava tradicionalmente nas cabanas russas, estava pendurado o "Quadrado Preto". "Square" foi imediatamente apelidado de ícone da nova era.
Entre "som" e "visão". Chocante ou conceitualidade?
Até hoje, muitos acusam Malevich de se esforçar para se tornar famoso no escândalo. Na verdade, à primeira vista, essa exposição da imagem parece chocante. Mas se você observar de perto o que determinou o psíquico do artista, ficará claro quais desejos latentes realmente moldaram seu trabalho.
Kazimir Malevich era um polimorfo de dupla inteligência abstrato-figurativa, da qual os vetores sonoro e visual são responsáveis. Porém, o vetor sonoro é dominante e o maior em termos de volume de desejos. Para essa pessoa, uma ideia significativa parece um valor absoluto. O significado para ele é Deus.
O que quer que um engenheiro de som desenvolvido faça, ele sempre o fará em nome de uma ideia. Fama, atenção, honorários - tudo isso parece pequeno e insignificante em comparação com o que ele dedicou sua vida.
O chocante é uma das manifestações do vetor visual. Isso acontece quando um potencial emocional naturalmente alto não é desenvolvido e, então, realizado em atividades úteis para a sociedade. Em essência, chocante é a manipulação da atenção, capturando a atenção do público por meio de técnicas proibidas.
No entanto, é impossível culpar Malevich pelo subdesenvolvimento ou implementação insuficiente. Antes mesmo de escrever The Black Square, ele era um mestre realizado, tinha um excelente domínio da maneira acadêmica de escrever e podia facilmente criar qualquer imagem que evocasse emoções sem recorrer a medidas extremas.
Ele criou algo sem precedentes - um paradoxo, uma imagem sem imagem. Mas não porque ele não pudesse fazer de outra forma. Esse era o ponto, a ideia.
Como mostrar essa imagem para que o espectador pense, pare, mude o paradigma da percepção? A consciência exclui do campo de visão tudo o que não é reconhecido por nós como uma imagem. O espectador percebe as imagens não identificadas como “ruído” no canal de comunicação, como um ponto cego. O espectador simplesmente não desperdiçará energia vendo se a mensagem parecer sem sentido para ele.
O quadrado preto é o manifesto. Malevich usou a demonstratividade enfatizada em seu posicionamento a fim de tirar o espectador do cenário normal e automático de percepção. Ele confere ao seu trabalho nuanças adicionais de significado, torna-o conceitual. Ele parece estar dizendo ao espectador: "Olha, em breve será o seu santuário."
E assim aconteceu. Todo o rápido desenvolvimento da humanidade no século 20 ocorreu sob a bandeira quadrada da inteligência abstrata.
Fui crucificado com palavrões …
"A última exposição futurista" 0,10 " virou o mundo da arte. Corajosamente, chocante e incompreensível - tal impressão que ela causou em seus contemporâneos. Porém, mesmo entre os artistas, muitos não sabiam como avaliar esse fenômeno. Uma onda de críticas caiu sobre Malevich.
“Fui crucificado com palavrões…” - é assim que começa um dos seus poemas de 1916.
Parece que o artista escreveu um quadro e escreveu, na arte do século XX, e não foi assim. No entanto, mais de cem anos se passaram e o debate sobre o quadrado preto não para.
Na verdade, a tela de Malevich é a menos parecida com a pintura tradicional: o que é essa pintura que não retrata nada?
A escritora, publicitária e crítica literária russa Tatiana Tolstaya em seu ensaio "Square" sugere que Malevich vendeu sua alma ao diabo, pelo que o dotou de fama eterna e influência absoluta na arte e cultura.
Quer gostemos ou não do Quadrado Negro, agora vivemos em um mundo pós-quadrado. "Square" teve um grande impacto na cultura e até na ciência.
A guilhotina de seu plano negro, com um golpe preciso, dividiu a cultura em duas: um mundo pré-quadratura e um mundo pós-quadratura. E ao mesmo tempo ela abençoou a vida com muitos novos fenômenos. O design, a fotografia, a cinematografia, etc. nasceram no mundo pós-quadrado.
Não é necessário amar o quadrado preto, mas é perigoso não entendê-lo hoje - como ser analfabeto em uma cidade grande. Ele é o ABC da linguagem visual moderna.
Não é de todo difícil compreender este paradoxo da arte do século XX se olharmos para a pintura pelo prisma do conhecimento da formação "Psicologia do sistema-vetor".
O que é pintura?
A pintura é um produto da medida visual, da inteligência figurativa.
A base da tradição da pintura antes de Malevich sempre foi formada pela imagem e pelo enredo. Eles têm sido a carne e o sangue da pintura desde o seu início, desde as primeiras pinturas rupestres do homem primitivo.
Uma imagem é um conjunto de características inerentes a um objeto ou fenômeno e um casulo associativo em torno dele. Uma imagem pode ser expressa, por exemplo, por uma palavra em um texto ou uma imagem em pintura, escultura, dança.
A imagem é um instrumento de apreensão instantânea. É uma cápsula. Um artista ou escritor compacta uma vasta gama de informações em uma forma simples. A cápsula da imagem se abre dentro da consciência de quem percebe e adiciona aqueles detalhes que não estavam realmente na imagem ou no texto, mas poderiam estar.
Yuri Lotman, crítico literário, culturologista e semiótico soviético e russo, chamou a atenção para esse aspecto. Ele disse que uma imagem artística é capaz de gerar novos significados por si mesma.
O enredo (ou enredo) é o contexto, as circunstâncias em que as imagens existem na obra. Este é o principal conflito dramático que confere tensão e expressão a uma obra de arte. Na pintura e na cinematografia, essa tensão geralmente cria um contraste: um fundo colorido dinâmico, muitas pessoas correm e gritam, e no primeiro plano está uma grande figura monocromática estática de uma pessoa com um rosto impenetrável.
O status sagrado da pintura e a tradição da pintura
A imagem é diferente da imagem. Que? Por seu status especial. Uma pintura é algo que fica pendurado na parede, uma pintura particularmente valiosa em um museu. A visita à exposição não é apenas um passeio, é um ritual. Toda essa atmosfera sagrada garante a confiança incondicional do espectador no que é pintado no quadro.
Isso aconteceu porque a pintura se originou de um afresco. O afresco da Idade Média apresentou os assuntos bíblicos aos analfabetos. Ela tinha que exibir o conteúdo da Sagrada Escritura com a maior precisão possível, uma vez que suas imagens eram confiáveis por aqueles que não podiam ler a fonte original por conta própria. A pintura herdou o status sagrado do afresco e a credibilidade dele.
A tradição da pintura europeia começa com o artista proto-renascentista Giotto di Bondone (1266 -1337). Giotto é o criador da linguagem tradicional da pintura europeia. Excelente artista e excelente psicólogo, permitiu-se pela primeira vez a interpretação do autor, repensando a imagem e o enredo. Ele preenche seus afrescos com os detalhes e tipos mais precisos, espionados em vida. Foi graças a Giotto que todos os artistas tiveram a oportunidade de, por vezes, lançar no coração: "Mas eu sou um artista, vejo assim!"
Essa tradição pictórica foi inabalável até o final do século 19, quando surgiram os impressionistas, depois os pós-impressionistas, cubistas etc. No entanto, mesmo a diversidade de tendências artísticas do final do século 19 - início do século 20 estava conectada como um cordão umbilical com a linguagem pictórica de Giotto pela presença de uma imagem ou enredo. Essa imagem poderia ser recriada a partir do barro, como na de Cézanne, cortada em pequenos pedaços e montada novamente em uma ordem aleatória: o nariz em uma parte da imagem, o olho na outra, como em Picasso. Mas sempre foi - embora de uma forma destruída.
Sob Pedro I, a Rússia adotou a tradição artística europeia e se desenvolveu nela com algum atraso até o final do século 19 - início do século 20. Não tínhamos impressionismo e cubismo, mas no início do século XX surgiram muitos artistas interessantes e originais que abalaram a rigidez das tradições. Esta é a associação de arte "World of Art" dirigida por Alexander Benois, "Jack of Diamonds" com Konchalovsky, Mashkov, Larionov, Lentulov. "Futuristas" - irmãos David e Vladimir Burliuk, Natalia Goncharova e outros. Kazimir Malevich também começou a criar com futuristas.
Por que um quadrado é a morte da pintura?
Portanto, a pintura, a partir do século XIII em todo o mundo, é uma imagem e um enredo. Uma imagem pictórica é acreditada porque é sagrada. E esperam dele uma história, uma história, uma narração com a interpretação do autor das imagens pelo artista.
E na Rússia de 1915, no espaço expositivo, no “canto vermelho”, num local enfaticamente sagrado, surge uma pintura que nada representa!
Explosão de consciência. Não é nem uma provocação - é uma sabotagem. O ato de destruir a cultura, "tudo amoroso e terno".
Como aconteceu que um artista comum, então ainda futurista, Kazimir Malevich pudesse fazer isso conscientemente?
O treinamento de Yuri Burlan em "Psicologia do Sistema-Vetor" distingue dois tipos de inteligência: figurativa e abstrata. Eles correspondem aos vetores visuais e sonoros …
Leia a continuação nos artigos "Quadrado Negro": Acreditar ou Saber? Parte 2 e Inteligência ao quadrado: o cosmos negro do pensamento abstrato. Parte 3
