Richard Strauss. Vida e Metamorfose de um Herói Sônico
Em 11 de junho, o mundo comemora o 150º aniversário do nascimento de Richard Strauss. E hoje, ouvindo suas obras, nos perguntamos qual foi o drama do destino e da criatividade do grande mestre. O que foi o grande Strauss e o que lhe permitiu criar tantas obras-primas da arte musical mundial? Vamos conversar neste artigo.
Richard Strauss (alemão Richard Strauss, 11 de junho de 1864, Munique, Alemanha - 8 de setembro de 1949, Garmisch-Partenkirchen, Alemanha) é conhecido por nós não apenas como um notável compositor alemão e maestro sinfônico - vários especialistas e admiradores de sua obra reconhecem ele como um gênio, inovador, criador de novas formas musicais e dramáticas e imagens musicais únicas. Richard Strauss dedicou toda a sua vida ao desenvolvimento da cultura musical alemã.
A maioria de seus contemporâneos amava a música de Strauss, divinizando seu talento, e as casas de ópera lutaram pela vida ou pela morte pelo direito de apresentar suas óperas pela primeira vez. Houve também quem não aceitou, condenou, criticou, ridicularizou e até demonizou e proibiu.
Em 11 de junho, o mundo comemora o 150º aniversário do nascimento de Richard Strauss. E hoje, ouvindo suas obras, nos perguntamos: qual foi o drama do destino e da obra do grande mestre? Como foi para ele, tendo vivido os anos felizes do florescimento da pacífica Alemanha, no meio de sua vida criativa, tornar-se um participante involuntário da agressão militar do Segundo e depois do Terceiro Reich, encontrando-se em um atmosfera de degradação moral e queda espiritual de seu povo? O que foi o grande Strauss e o que lhe permitiu criar tantas obras-primas da arte musical mundial? Vamos conversar neste artigo.
O QUE ESTÁ ALÉM DA FORMA
Cada peça musical tem uma forma, e a forma deve corresponder ao conteúdo. Em essência, na arte harmoniosa e sã, é o conteúdo que escolhe a forma para sua expressão adequada plena. Não o contrário. Que conteúdo é esse? Esta é uma pergunta muito interessante …
A resposta é simples. O conteúdo de uma peça musical é uma busca interna, desejo, falta de seu autor. Este não é o desejo do nosso corpo, mas algo mais, que está além do básico "comer - beber - respirar - dormir" em várias variações, um desejo adicional em cima da natureza animal. Esse desejo não é material, mas a partir disso não se torna secundário. Pelo contrário, o artista, como se costuma dizer, não pode comer nem dormir antes de criar a sua obra.
A busca interior por algo além do mundo físico, a busca pela causa raiz da própria existência do meu "eu" - esta é uma aspiração comum para um certo tipo de pessoa que na psicologia vetorial de sistema são chamados de donos do som vetor. E um presente especial dos compositores de som é a capacidade de fundir essa aspiração em criatividade musical, única em sua profundidade e riqueza de conteúdo.
Essas pessoas têm tanta falta de música que a tocam todos os dias e desenvolvem a habilidade de tocar não para si mesmas, mas para os outros. É significativo que haja muito menos músicos-intérpretes do que aqueles capazes de tocar para si próprios. O que isto significa? Sobre o fato de que, para se tornar um compositor, não se deve apenas desejar algo mais do que um simples preenchimento do seu "desejo" físico, ou seja, não ser apenas um engenheiro de som, mas aprender a levar sua busca interior para fora e compartilhar o que você ouve nas profundezas do inconsciente com os outros …
Infância e adolescência
Desde a infância, Richard Strauss adorava estudar e era um aluno muito aplicado. Começou a compor aos seis anos e encheu uma grande quantidade de partituras, desenvolvendo a sua capacidade de compor e gravar música, embora nesta fase as suas composições fossem imitativas. Os esforços do menino alegraram o pai, que fez de tudo para evitar que seu filho caísse no prodígio destrutivo, mas aos poucos e profundamente desenvolveu seu talento na chave do classicismo alemão, seguindo os passos de Mozart, Haydn, Bach, mas de forma alguma o "terrível" Wagner, que Franz Strauss odiava ferozmente.
O famoso trompista da época, Franz Strauss tinha um caráter difícil. De acordo com uma série de descrições, podemos dizer que ele possuía uma combinação de vetores de pele anal, combinando despotismo anal com um desejo da pele por disciplina e controle rígidos. Sempre teve sua opinião e a expressou não sem agressividade, o que lhe rendeu a antipatia da direção e dos membros da orquestra da Orquestra de Munique, na qual trabalhou toda a sua vida. A mãe de Richard, de uma família de famosos cervejeiros Pshor, era uma mulher calma e gentil com freqüentes acessos de depressão, sugerindo que ela tinha um vetor de som. Afinal, são as pessoas saudáveis que são vítimas da depressão.
A educação de Richard foi multifacetada. O desenvolvimento do vetor visual não ficou atrás do desenvolvimento do som - o jovem Strauss amava apaixonadamente as belas-artes e era muito versado em pintura. Ele lia muito e participava ativamente de óperas e salas de concerto. A única matéria de que ele particularmente não gostou foi matemática. Caderno escolar preservado do pequeno Richard sobre o assunto com esboços de um concerto para violino em vez de equações. Porém, o futuro compositor ainda tinha um vetor de pele: no futuro, Richard não terá problemas nem com cálculos nem com economia - as características distintivas do vetor de pele. Acontece que contar não era seu principal interesse - os vetores superiores pediam mais.
Se você mergulhar na descrição de sua infância e juventude, é difícil não perceber o quão harmoniosamente, com o apoio coletivo daqueles ao seu redor, entre os quais após a saída de Richard de 19 anos para Berlim já havia músicos do do mais alto calibre, o futuro compositor cresceu e se desenvolveu. Por meio dos esforços de seus pais e do meio ambiente, Richard tinha condições quase ideais para o desenvolvimento do ligamento sonoro-visual dos vetores.
Em Berlim, Strauss era popular, era convidado por toda a parte: para jantares em belas casas, para ensaios da orquestra e estreia de óperas. Como um jovem feixe de energia, Strauss muitas vezes se lançou entre um número infinito de projetos musicais, começando negócios com pianistas, violoncelistas, críticos ou jornalistas. Ele tinha 20 anos, vivia frugalmente, gastava o dinheiro dos pais com sabedoria em óperas e concertos e sabia exatamente o que queria.
Richard foi patrocinado por Hans von Bülow, uma das personalidades mais brilhantes da história da música, um maestro sinfônico e um pianista incrível, aluno de Liszt e seguidor de Wagner. A atenção de Bülow foi atraída para os primeiros trabalhos de Strauss: "Marcha festiva" e Serenata para 13 ventos em mi bemol maior. Era Bülow quem estava destinado a desempenhar um papel decisivo na vida de Strauss.
Além disso, Strauss conseguiu fazer amizade com Cosima Wagner. A ex-mulher de Bülow, Cosima, deixou o marido, tendo se apaixonado por um homem que era um deus para o próprio Bülow, Richard Wagner. Ela tratou o jovem Strauss com grande simpatia e o apoiou como maestro e compositor.
Durante esses anos em Berlim, Richard Strauss se desenvolveu como um jovem atraente, altamente educado, obcecado por música, com um caráter vivo, aberto e impulsivo.
Com base no exposto, podemos completar o retrato sistêmico do compositor. Liderando o conjunto de vetores de Strauss, é claro, estava o vetor de som dominante. Richard vivia para a música e pela música, esse era o seu significado, sua ideia. Vetores de fundo bem desenvolvidos permitiram que ele manobrasse facilmente no terreno difícil da capital alemã. Havia perseverança anal suficiente nele para estudar e fazer tudo com alto profissionalismo, não importando o que ele escolhesse. Ele tinha ambição de pele suficiente para construir sua carreira musical. O vetor visual permitiu que ele não se esquivasse de sair e se comunicar constantemente com o público. E o temperamento elevado tornou possível fazer todas as opções acima com especial paixão e zelo.
Não demorará muito para que um diamante chamado Richard Strauss adquira todas as suas facetas e se transforme em um diamante cintilante.
PRÓPRIO CAMINHO
Antes de se mudar para Berlim, Richard Strauss estava sob a influência implacável de seu pai. No início, ele ainda foi preservado - por meio de correspondência. Mas chegou o momento em que Richard conseguiu sair de sua influência e começar sua própria busca, não sem a influência de personalidades originais e marcantes, encontros com os quais o destino tão generosamente lhe deu.
Uma das inspirações de Strauss foi Alexander Ritter, um violinista e compositor medíocre, mas um homem culto e culto e um grande seguidor de Wagner. As ideias e reflexões filosóficas de Ritter serviram de catalisador para uma nova rodada na busca espiritual e musical de Strauss.
A primeira transformação de seu mundo interior foi a conversão inevitável em um fã da criatividade e das ideias filosóficas de Richard Wagner. Dizem que o amor de Strauss pela ópera Tristão e Isolda era tão profundo e forte que, nos últimos anos de sua vida, ele carregou constantemente sua partitura como um talismã.
O manifesto musical do jovem Richard em uma carta a von Bülow soava assim: “Para criar uma obra de arte que seja compatível em espírito e estrutura, que causaria impressões tangíveis para o ouvinte, o compositor deve pensar em imagens visuais se quiser para transmitir sua ideia ao ouvinte. Mas isso só é possível se a composição se basear numa ideia poética fecunda, independentemente de o programa a acompanhar ou não.”
É aqui que se situa o entrelaçamento de abordagens visuais e sonoras para a criação musical, invisíveis para um pesquisador não sistêmico, que formaram a base do trabalho de Strauss e o padrão único de suas obras. Para explicar a importância desse plexo, vamos nos afastar um pouco.
Richard Strauss estava destinado a viver em uma época única - no intervalo de duas eras históricas entre as fases de desenvolvimento anal e dérmico de entrada. O início desse processo coincidiu com a juventude de Strauss. À frente ainda estavam as convulsões fatais da parte anal reacionária da sociedade, corporificadas na criação da ideia de uma raça superior e levando ao assassinato de milhões de pessoas. À frente ainda havia uma percepção amarga do horror do surgimento perfeito e sem precedentes das idéias do humanismo.
Enquanto tudo isso ainda amadurecia nas profundezas do inconsciente coletivo e brotava com raros pontos de teste na superfície das vidas humanas, nas obras de mestres da arte nasceu uma cultura de massa padronizada para todos. Ao “levar” a arte às pessoas, revestindo-a de formas visuais acessíveis à maioria da sociedade, compositores como Richard Strauss contribuíram para a criação da cultura de massa.
CRIAÇÃO
Richard Strauss, como um verdadeiro dermatologista, era um fanático por música absoluto. Ele estava com medo de não trabalhar. Compor música e se apresentar foram a razão de ser de sua vida.
Na primeira fase de seu trabalho, Strauss, influenciado pelas ideias de Wagner, criou vários poemas sinfônicos vívidos, onde a transformação da linguagem musical para criar séries visuais vívidas tornou-se tanto um objetivo quanto um meio. Linguagem harmônica capaz, melodia característica, orquestração deslumbrante permitiam ao espectador ver o mundo pelos olhos do protagonista da obra.
O heroísmo do espírito, a energia incrível, a mais sutil poesia musical dos sentimentos - tudo isso varreu o ouvinte com uma avalanche, não dando oportunidade para ficar indiferente. Tanto um solo de violino quanto um tema de dança escrito no estilo da valsa vienense poderiam ser elegantemente poéticos para Strauss. Um sentimento de beleza e harmonia de vida, pathos romântico de heroísmo, presença feminina, franqueza destemida de impulsos sexuais literalmente permeou suas obras.
Como o mais perfeito deles, pode-se destacar o poema "Don Juan", que, para o orgulho de Strauss, dividiu o mundo de seus ouvintes em admiradores ardentes e não menos adversários ardentes. Hoje em dia, mais de uma melodia de filme foi copiada dos deliciosos temas de Don Juan. É a Richard Strauss que devemos ser gratos pelos sucessos brilhantes dos filmes da Disney e de Hollywood.
Bem diferentes eram os poemas sinfônicos “Morte e Iluminismo” e “Assim Disse Zaratustra”, que refletiam a busca sonora do mestre. Neles, o centro da atenção de Strauss não era a vida física fervilhante e as travessuras valentes dos heróis, mas a busca interior e o desejo de se conhecer.
Death and Enlightenment (1888-1889) é um poema de extraordinária beleza, encarnado no som do estado de uma pessoa gravemente doente e profundamente sofrida, que é atormentada pela pergunta sobre qual é o significado de tudo o que chamamos de vida. Ele tenta resolver o enigma da vida resolvendo o enigma da morte.
O poema reflete uma busca interna, mas, é claro, não pode dar uma resposta a ela. Autoconsciência, concentração correta de pensamento é o trabalho individual de cada um como uma partícula da sociedade, que ninguém pode realizar por outro. A tarefa do compositor é despertar essas questões no ouvinte.
A primeira frase mundialmente famosa do poema Assim Disse Zaratustra (1896):
A partir dos trinta anos, Strauss começou a mostrar um grande interesse em escrever óperas. Em 1894 ele criou a ópera Guntram. É significativo que, inicialmente seguindo a influência de Ritter, Strauss repentinamente recuou até mesmo de sua visão de mundo recém-adquirida e de uma só vez se tornou mais à esquerda do que seu mentor esquerdista. O personagem principal da ópera não segue o enredo original e em vez de se render voluntariamente ao tribunal religioso pelo assassinato de um vilão no final, ele entra em uma busca moral e busca uma resposta para o que ele fez apenas em sua consciência. Infelizmente, o público e mesmo Ritter, voando nas asas de ideias progressistas, não estavam prontos para tal virada. Eles ficaram indignados com a relutância de Strauss em entregar seu herói à mercê da lei. A ópera fracassou e a posição moral de Strauss foi rejeitada. Por um tempo…
A segunda ópera, Lack of Fire, escrita em 1901, foi uma tentativa de abordar o tema mais universal de que a mulher é o centro do ser e a força motriz do homem. Strauss abordou este tópico de fora, o que impediu o crescimento da popularidade desta ópera também. Para sincera surpresa de muitos contemporâneos, o principal representante da elite aristocrática da época reconheceu a ópera como obscena e indigna de atenção.
A música da época, tentando consolidar a posição do romantismo clássico (A Rainha de Espadas de Tchaikovsky, 1890; Sinfonia de Novy Svet de Dvořák, 1893; Verdi Falstaff, 1893), ainda se manteve fiel às tradições. Ao longo de toda a frente musical, porém, as mudanças já eram visíveis. As sinfonias de Mahler, canções com versos de Baudelaire e Tarde de um Fauno de Debussy já falavam a língua pós-wagneriana.
Em um esforço para desvendar a fonte dos desejos humanos e seu significado, os compositores demonstraram um desejo por cores inebriantes, retirando-se para o mundo dos sonhos e começaram a usar a sexualidade na arte. Tudo isso pode ser rastreado nas obras de Strauss. Ele foi capaz de expressar em vívido contraste na música as questões emocionantes da existência humana: sedução e desobediência, princípios masculinos e femininos, vida e morte, sexo e assassinato.
"SALOME"
Jokanaan, o profeta religioso, está preso no palácio de Herodes. Uma adolescente de 15 anos, filha da esposa de Herodes, Salomé, se apaixona pelo profeta. Ele a rejeita. Salomé dança a dança dos Sete Véus para Herodes. Satisfeito com a dança de Salomé, Herodes promete que ela realizará todos os seus desejos. Salomé pergunta pela cabeça de Jokanaan. Herodes é forçado a executar o profeta. Quando a cabeça de Jokanaan é levada até a garota, ela expressa abertamente seu amor pelo morto escolhido. Isso é confuso e chocante para as testemunhas. Salomé é morto.
A ópera Salomé foi encenada pela primeira vez em Dresden. Foi proibido em Viena e forçado a ser removido durante uma exibição no Metropolitan Opera de Nova York. Em 16 de maio de 1906, Salomé foi encenado na cidade austríaca de Graz. Entre os espectadores estavam Mahler, Berg, Schoenberg, Puccini, Zemlinsky, a viúva de Johann Strauss e muitos outros. Numerosos amantes da ópera e até cabeças coroadas assistiram a esta apresentação. Até o personagem fictício Adrian Leverkühn, o herói do romance Doutor Fausto de Thomas Mann, estava lá junto com Adolf Hitler, de 17 anos …
A ópera foi um sucesso retumbante. Apesar da ambigüidade provocante, havia algo nesta música que não deixava ninguém indiferente. A ousadia com que o autor abordou temas anteriormente proibidos chocou o público tanto quanto o próprio tema da ópera. O público daquela época viu escandalismo na libertinagem da corte do rei Herodes, no comportamento desenfreado da princesa Salomé e no final da ópera - na cena feia de necromancia e no triunfo francamente sexual do insano Salomé sobre Jokanaan.
Como vemos essa ópera hoje?
Uma menina de 15 anos mora no palácio de seu padrasto Herodes, que a assedia apesar da proximidade de sua mãe. Salomé conhece Jokanaan, que é considerado um profeta famoso na ópera. Strauss não era religioso e sabia que não retratava Jokanaan da melhor maneira para um profeta. Seu caráter acabou sendo limitado e não espiritual. Jokanaan despertou em Salomé um desejo apaixonado de amor.
Isso não foi de forma alguma a explosão romântica de sentimentos de uma garota ingênua que deseja a bênção do homem de Deus, como Lord Chamberlain insistiu em mostrar isso antes da produção da ópera em Londres em 1910. Para Salomé, esse amor foi o resultado de uma percepção repentina de que "o mistério do amor é maior do que o mistério da morte". Seu franco monólogo operístico final com a cabeça de Jokanaan, batizado de "necromancia", termina com as palavras mesméricas:
E! Beijei sua boca, Jokanaan, beijei sua boca.
Sentiu um gosto pungente em seus lábios. Tinha gosto de sangue?..
Talvez este seja o gosto do amor. Dizem que o amor tem um sabor forte.
Mas ainda. Não importa. Beijei sua boca, Jokanaan, beijei sua boca.
Cerca de quarenta anos se passaram desde a primeira produção de "Tristan" de Wagner. No final de Tristão, Isolda também “irradia amor” no corpo do morto Tristão. Mas entre as duas finais, Tristan e Salomé, existe um abismo. No primeiro caso, o trágico casal não conseguiu realizar seu relacionamento devido às normas sociais: no reino do conservadorismo anal, uma mulher casada não pode ser feliz com o melhor amigo do marido, mesmo que ele nobremente decidisse dar-lhes essa oportunidade.
Em "Salomé" a tragédia de um plano diferente: é uma luta mortal pela satisfação dos seus desejos, o que mostra a disponibilidade de uma pessoa para usar todos os meios no caminho para a meta. E não é à toa que a personagem principal é uma jovem. Ela é como a personificação de uma nova geração com um desejo aumentado de receber, com uma enorme e ainda mais complicada incompreensão mental de si mesma, a perda de diretrizes morais.
Ao longo de sua vida, Strauss buscou o libreto perfeito para a ópera perfeita. Ele escreveu 15 óperas, e sua busca criativa neste gênero foi extraordinariamente ampla. “Chevalier of the Roses” - uma ópera cômica, uma das mais queridas pelo público, foi concebida por Strauss como uma comédia musical com traços de paródia. O roteiro foi escrito por um libretista brilhante chamado Hoffmannsthal como uma estilização para as obras do século XVIII e em particular para as óperas de Mozart. Anacronismos eram deliberadamente permitidos na música: misturar as melodias dos velhos tempos com as valsas vienenses dos séculos XIX e XX.
À primeira vista, a ópera, de conteúdo leve, inclui a personagem principal Marshalsha, uma mulher brilhante e atraente, de posição elevada na sociedade, o conde Octavian, um jovem de 17 anos apaixonado por Marshalsha, Sophie, a noiva de Primo de Marshalsha. No decorrer da ópera, Otaviano se apaixona pela jovem Sophie. No último ato, o famoso trio soa, onde Marshalsha recusa Otaviano e o convence a ligar sua vida a Sophie. A parte de Otaviano foi escrita para mezzo-soprano, na tradição da ópera do século XVIII. A ópera é permeada de detalhes de frivolidade graciosa. O personagem do Marechal teve um sucesso especial para Strauss, e ele considerou esse personagem uma de suas melhores criações.
Se Strauss escreveu poemas sinfônicos com traços visuais brilhantes, em uma mudança rápida como uma pele de pequenos episódios e vários personagens, então em suas óperas ele se baseou principalmente nos valores do vetor anal e muitas vezes escolheu temas do passado, até mesmo o passado antigo para eles. Por exemplo, em uma ópera como Electra, o núcleo emocional é o ressentimento anal e uma sede de vingança, destrutiva tanto para o objeto quanto para o sujeito do que está acontecendo.
No "Cavaleiro das Rosas", o tema de uma beleza "envelhecida" de trinta anos, perdendo ou entregando voluntariamente um jovem amante a seu semelhante, evoca um sentimento de tristeza genuína, embora Marshalsha não seja um daqueles que sucumbir à tristeza. Acima de tudo, ela encontrará um substituto digno para Otaviano e será esquecida no novo romance. De uma forma ou de outra, o último trio soa como um episódio inesquecível de despedida do amor, e a leve tristeza e beleza da música não escondem a verdadeira tragédia deste momento para uma mulher encantadora que está ciente da inevitabilidade da passagem de Tempo.
GUERRA
"Metamorfoses, ou Concerto para 23 Cordas" é uma das últimas obras de Strauss, iniciada em 1943, quando foi destruída a Ópera de Munique, à qual esteve quase toda a sua vida ligada. As Metamorfoses foram concluídas dois anos depois, em 1945, após o incêndio e a destruição da Ópera de Viena, após o bombardeio bárbaro e estrategicamente sem sentido de Dresden.
A música da peça é permeada de pesar pela cultura alemã moribunda. A peça usa citações de Tristão e Isolda de Wagner, um tema da última ópera de Strauss, Arabella, e um tema de marcha fúnebre da Sinfonia Heroica de Ludwig van Beethoven. Na partitura, esse tema é acompanhado pelas palavras "inmemoriam".
Os musicólogos há muito discutem sobre a quem esta peça é dedicada. Descobriu-se que nos últimos anos Strauss estudou as obras de Goethe a fim de compreender as raízes do mal no homem, responsável por acontecimentos terríveis como a guerra. Durante a guerra, Strauss teve que passar por muita coisa. Sua nora, esposa de seu único filho e mãe de dois netos, era uma mulher de origem judaica. A fim de salvar a vida dessas pessoas tão queridas para ele, Strauss serviu por algum tempo como Ministro da Cultura no Terceiro Reich, onde foi nomeado sem qualquer consulta com ele.
Strauss não cumpriu esse papel por muito tempo, já que se recusou a retirar o nome do libretista Stefan Zweig, exilado por causa de sua nacionalidade, do programa de sua nova ópera Mulher Silenciosa. Logo, a Gestapo interceptou uma carta aberta de Strauss para Zweig, onde ele escreveu sobre seu desprezo pelos nazistas. Strauss foi removido do cargo com urgência e provavelmente teria sido morto se não fosse por sua fama e autoridade mundial. Seu filho e sua nora foram sequestrados pela Gestapo e passaram vários dias na prisão, até que Strauss voltou urgentemente de sua viagem para solicitar sua libertação.
Seus netos, quando tiveram que ir para a escola durante a guerra, foram atacados e intimidados por moradores locais. Eles foram cuspidos e intimidados. Após a guerra, Strauss foi julgado em conexão com seu trabalho para o Terceiro Reich antes da guerra e foi totalmente absolvido. Após a guerra, sua popularidade foi restaurada. Certa vez, ao cruzar a fronteira entre a França e a Suíça para tratamento em um sanatório suíço, Strauss esqueceu todos os documentos. Os guardas da fronteira francesa o reconheceram, cumprimentaram-no com respeito e deixaram-no cruzar a fronteira, apesar da falta de passaporte.
CONCLUSÃO
Richard Strauss viveu uma vida longa e bem-sucedida. Ele sobreviveu a duas guerras mundiais, e seu trabalho e algumas de suas ações ainda são interpretados por musicólogos e historiadores contraditórios.
Por exemplo, o criador da música de 12 tons, Arnold Schoenberg, disse uma vez: "Eu nunca fui um revolucionário, Strauss foi o único revolucionário em nosso tempo!" Mas não foi esse o caso. Richard Strauss não foi um revolucionário que abriu o caminho e mostrou o caminho para o futuro, mas sim o elo de fechamento da cadeia dos grandes românticos.
A longa e incomum carreira musical de Strauss terminou com as engenhosas Four Last Songs. Depois de uma vida bem vivida nessas canções, ele superou a todos na capacidade de olhar a morte nos olhos sem medo. Assim, na beleza divina dessas canções, o último romântico alemão Richard Strauss completou sua jornada terrena e sua busca sonora.
